O horror cinematográfico da Supermassive desvenda cicatrizes geracionais e a fragilidade da realidade em um conto visceral, mas tecnicamente assombrado.
A incursão da Supermassive Games no universo de Dead by Daylight com The Casting of Frank Stone se revela uma jornada densa e perturbadora, digna do drama de terror interativo que a desenvolvedora masterizou. Para além da conexão com a franquia maior – notável na evolução de um thriller de serial killer para um conto sobrenatural espetacular que evoca mal antigo e cultos sangrentos – o jogo estabelece sua própria identidade, imergindo o jogador em uma narrativa de consequências inimagináveis.
A estrutura de escolha sua própria aventura é o motor dessa máquina de medo. Controlando o destino de três grupos de personagens em períodos distintos, o jogador se torna o arquiteto de sua tragédia. A sombra de Frank Stone paira sobre Cedar Hills, Oregon, uma cidade marcada pela violência de seu passado. A história, com seus múltiplos significados e resultados em camadas, exige que o jogador dirija e vivencie cada ato, nutrindo relacionamentos e, inevitavelmente, decidindo quem vive e quem sucumbe. A qualidade da história se mantém em alto padrão, com momentos que realmente chocaram.
A atmosfera é o sangue que pulsa neste título. Ao longo das aproximadamente 10 horas de narrativa, o jogador é arrastado por locações meticulosamente concebidas: os corredores subterrâneos enferrujados das infames instalações da Cedar Steel, as antecâmaras cavernosas de uma mansão gótica e os sinistros arredores florestais. A atenção aos detalhes e o artesanato do design de produção são verdadeiramente notáveis. A Supermassive merece elogios pela cinematografia e pela iluminação assustadora que, em conjunto com a música indutora de ansiedade, criam um ambiente de ansiedade constante. O uso do áudio é um destaque, com a alternância entre a tensão musical e o silêncio onde um simples estalo ou batida chama atenção, imergindo o jogador no terror ambiental.
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A jogabilidade, já conhecida, foca na história e na exploração. Os momentos de ação são pontuados por testes de reação baseados no tempo (QTEs), uma fórmula sólida que, embora não seja profunda, encaixa-se perfeitamente no ritmo da narrativa. O fracasso em um evento em tempo rápido tem o potencial de impactar a história e seu final, elevando a aposta de cada realçao. A exploração é recompensada com a descoberta de dois tipos de itens colecionáveis e quebra-cabeças que, apesar de simples (encontrar uma chave, operar maquinário, consertar isso ou aquilo...), são divertidos e intuitivos, mantendo o fluxo da experiência.
Contudo, a imersão visceral é ocasionalmente arranhada por falhas técnicas perceptíveis. Enquanto a Supermassive acerta no core da experiência, o desempenho técnico apresenta tropeços que derrubam a qualidade técnica do jogo. Particularmente notável na experiência do Xbox Series S, o jogo sofre com problemas crônicos no carregamento de texturas. Este problema torna-se mais agudo nas cutscenes, quando a câmera troca de ângulo, revelando personagens com texturas de pele ou roupas incompletamente carregadas. Tais instâncias quebram o encanto e o polimento visual que o jogo, em outros aspectos, exibe. Adicionalmente, as animações dos personagens podem parecer exageradas em certos momentos, e as animações faciais ocasionalmente fora de sincronia com o diálogo, prejudicando a capacidade dos atores de se emocionar de forma convincente, apesar da qualidade das performances variar de fundamentada e crível a plana e genérica.
Apesar desses percalços técnicos, a força de The Casting of Frank Stone reside em sua capacidade de envolver. O jogo realmente faz você se importar com esses personagens multifacetados, utilizando um amplo espectro de personalidades para tecer seu destino. Cada decisão que o jogador toma é um peso na balança do horror.
Em suma, The Casting of Frank Stone é uma adição digna à série de terror da Supermassive. Seu enredo emocionante, personagens atraentes e atmosfera emocionante cimentam sua recomendação para fãs do gênero. É um jogo que te faz querer mais, mesmo que isso signifique confrontar escolhas sombrias e os fantasmas não apenas da narrativa, mas também de uma otimização que precisava ser lapidada para atingir o potencial máximo de seu visual incrível.
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Marcos Paulo I. Oliveira
MPIlhaOliveira
Web Designer, apaixonado por tecnologia e gamer orgulhoso de acompanhar todas as gerações e seus grandes títulos.
Uma aventura metroidvania emocional sobre o tempo, identidade e a busca por respostas em um mundo de ecos do passado e futuro, com uma estética pictórica e uma mecânica brilhante de viagem temporal.
Mai: Child of Ages é uma experiência que não apenas conta uma história, mas faz você sentir que está vivendo dentro dela. Com uma história bem rica e uma trama bem construída. Desenvolvido pela equipe italiana Chubby Pixel e lançado em setembro de 2025, o jogo é uma mistura de ação, exploração e reflexão em uma narrativa que insiste em desafiar o próprio conceito de tempo.
Você joga como Mai, uma criança cuja vida está dividida entre passado, presente e futuro. Cada época carrega sua própria beleza e tragédia. De animais fofinhos a monstros sombrios, o que parece apenas uma aventura bobinha se revela uma busca pela própria identidade, por lembranças esquecidas, doenças misteriosas, e por respostas sobre o que restou do mundo após uma antiga guerra.
Desde os primeiros minutos, a sensação é de estar caminhando entre ecos: as ruínas do futuro murmuram histórias de um passado que ainda pulsa, e cada passo de Mai parece tocar as fronteiras da memória.
A História e a Atmosfera
A força de “Mai: Child of Ages está na forma como a narrativa da história se constrói. É sem pressa, com bastante apelo às emoções. É uma narrativa que fala sobre crescer, perder e aprender a seguir adiante. Mai não enfrenta apenas inimigos, mas também as próprias sombras (em formas reais) e dúvidas.
Cada ambiente traz consigo detalhes que deixam a história bem viva, contando histórias silenciosas: um brinquedo esquecido num canto, cartas soltas que narram uma história, uma árvore que insiste em florescer sobre o concreto, uma melodia distante. É uma trama onde tudo acontece de surpresa.
Algumas passagens e cenários de Mai: Child of Ages são realmente marcantes. Para mim, uma delas é quando o jogo fica completamente silencioso, deixando apenas o som do vento e o brilho do sol refletido em um lago antigo. Essa cena me lembrou bastante os momentos mais tranquilos de jogos como Zelda, com uma atmosfera de contemplação do ambiente e cenário incríveis.
É um jogo que transmite muito bem a sensação de que os criadores queriam envolver o jogador na história de uma forma bem profunda. Além disso, há trechos em que a música e o cenário se combinam de uma maneira tão harmoniosa que parece até que o próprio mundo está tentando se comunicar com você, unindo som, imagem e sentimento de uma forma muito especial.
Jogabilidade e Mecânicas
A essência do jogo está na habilidade de viajar entre diferentes épocas para resolver quebra-cabeças (não tão difíceis), explorar novos caminhos e reconstruir pedaços de lugares esquecidos. A forma como o mundo se transforma de uma era para outra é realmente encantadora e dá para sentir bem a diferença entre o passado e o futuro, além das dificuldades do tempo.
Ao mudar algo no passado, você acaba refletindo isso no futuro; ao congelar o tempo no futuro, você consegue voltar isso ao passado. Um gesto simples pode mudar completamente um cenário. Essa mecânica faz você pensar nas suas estratégias de jogo, o que deixa tudo mais divertido.
As seções de plataforma são agradáveis e intuitivas. Mai se move com leveza e a sensação de progresso é natural, com habilidades que se ampliam conforme você amadurece junto dela.
A progressão segue o estilo “Metroidvania: cada nova habilidade abre caminhos antes inacessíveis, incentivando a curiosidade e o retorno a lugares já visitados, que mudaram junto com a evolução da personagem.
Pontos Fortes
O uso do tempo como elemento de jogabilidade junto da narrativa é realizado de forma brilhante. Tudo, desde o visual, as mecânicas e a trilha sonora, gira em torno dessa ideia de eras sobrepostas, de memórias que se desdobram em um mundo atingido por guerras, devastação do tempo e de uma corrupção. Tudo fica bem claro na transição entre as eras.
O estilo artístico é encantador, com um toque quase pictórico. As cores e luzes mudam conforme o humor da cena, e a trilha sonora é um espetáculo à parte: delicada e introspectiva, agitada quando tem que ser. As escolhas de sons e músicas para ambientação do jogo foram muito bem acertadas e pensadas.
Mai é uma protagonista que cativa sem precisar falar muito. Sua presença é humana, vulnerável, e o jogador sente que está crescendo junto com ela.
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Pontos Fracos
O combate, embora funcional, carece de profundidade. Há momentos em que parece existir apenas para preencher espaço entre os trechos mais contemplativos.
A engine sofre um pouco no Switch. Há uma considerável queda de frames em transições de tempo e pequenos engasgos durante o carregamento de áreas maiores. O tempo de transição “entre eras é um pouco lento e deixa um pouco frustrante em alguns momentos.
A ausência de um mapa ou de indicações claras também pode frustrar quem prefere uma progressão mais linear.
Por ser um jogo mais voltado para o público infantil, essa questão não me pegou muito, mas os padrões de movimento e de ataque dos inimigos é bem previsível e nada desafiador, com hitboxes meio desalinhadas, com ataques que atravessam os inimigos sem dar dano quando claramente eram para funcionar. Isso quebra o ritmo e fluidez do combate, mas nada que quebre o jogo.
E, por se tratar de um jogo independente, há pequenas falhas técnicas: quedas de desempenho, texturas irregulares e animações que poderiam ser mais polidas.
Mas nada disso destrói a experiência. Pelo contrário, é um jogo que parece pintado à mão, deixando o ambiente meio artesanal.
Impressão Final
Mai, Child of Ages é um ótimo jogo para quem gosta de enigmas e puzzles.
Para quem joga não só com os dedos, mas gosta de pensar ao jogar.
Jogar “Mai: Child of Ages é quase como folhear um diário perdido. Cada página traz uma lembrança, uma dor, uma descoberta. Não é um jogo competitivo que é sobre vencer, mas sobre compreender uma história.
Poucos jogos conseguem transmitir com tanta delicadeza a passagem do tempo e o impacto das escolhas humanas no ambiente. Sim, há falhas, mas há também bastante história a ser descoberta. E é esse equilíbrio entre eras passado e futuro que faz de “Mai: Child of Ages algo especial.
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Felipe Silva
Miojo
Formado em RH e Direito, sou pai de autista, assessor de influencer/streamer e do canal Cadê meu Chapéu, assessor jurídico, pai de autista, entusiasta de games, RPG e séries em geral, completamente doido e feliz com tudo isso.
A poesia cinética e melancólica de um gigante de luz em busca de sua redenção.
Keeper não chega, ele surge. Em um cenário de melancolia cinzenta onde pináculos se erguem como sentinelas de uma dor ancestral, a Double Fine nos apresenta um dos heróis mais tocantes e improváveis da memória recente: um farol velho, abandonado, que ganha pernas de aranha e um coração hesitante. Este é o início de uma peregrinação sem diálogo, movida apenas pelo fragmento de um propósito e pela suave, mas persistente, companhia de uma estranha ave marinha. O peso instável da estrutura naqueles primeiros passos é quase palpável, uma metáfora comovente para o próprio ato de começar, de reencontrar o equilíbrio em um mundo que parece ter seguido em frente sem você.
Essa jornada cambaleante nos arrasta através de um mundo desolado e onírico. Rodovias em ruínas e casas espectrais formam a moldura inicial, mas a verdadeira mágica reside na câmera. Ela não apenas segue, ela coreografa. Recua para nos afogar no martelar das ondas contra a costa sombria, eleva-se para emoldurar o farol em silhueta perfeita contra um céu nublado e épico. A paleta pode ser sombria, mas o olhar de Keeper é de uma beleza iridescente, encontrando a poesia em cada plano. E então, o mundo se contorce: a familiaridade desmaia e somos apresentados a uma massa montanhosa que desliza sobre pernas, anunciando que estamos em um lugar onde as leis da física e da sensibilidade se fundiram.
É, sem exagero, um espetáculo ininterrupto. Desde os perigosos topos de penhascos de rocha vermelha, que oferecem vistas arrebatadoras, até os planaltos oscilantes repletos de ossos gigantes e as florestas de fungos verdejantes, cada mudança de cenário em Keeper é uma explosão sinestésica. A Double Fine não apenas constrói mundos, ela pinta ecossistemas inteiros em grossos redemoinhos de pinceladas digitais. Cada centímetro é uma tela em movimento, meticulosamente texturizada e iluminada para evocar a mais pura admiração. Rochas sencientes que deslizam, pássaros-vermes felpudos que correm, criaturas delicadas que flutuam sonhadoramente... é um balé de vida maravilhosamente absurdo, onde arte, animação e som se unem em um casamento impecável. É de tirar o fôlego!
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As primeiras horas, com sua jogabilidade canalizada e intencionalmente restritiva, podem sugerir cautela. O principal meio de interação é o feixe de luz do farol, um pêndulo de utilidade que restaura o antigo e desaloja o orgânico. Os quebra-cabeças são, sim, inicialmente simples e fortemente sinalizados. Mas esta não é uma falha, e sim uma escolha deliberada. A decisão de priorizar a acessibilidade propulsora sobre a complexidade fria garante que a admiração nunca seja substituída pela frustração. Keeper não quer que você pare, quer que você sinta e flua. E é nessa cadência que o jogo evolui, suavemente. O caminho fixo se abre, os desafios ganham agência e, então, o milagre acontece. Envolto em plumas rosas, o farol ganha o poder da levitação preguiçosa. Keeper se transforma em uma plataforma aérea e, nesse voo sobre cachoeiras magníficas, o sentimento de alegria é inegável.
Mais do que uma aventura, Keeper é um jogo sobre a alegria do movimento e a magia da transformação. A fisicalidade agradável dos passos incertos se torna um impulso, um deslize suave. E quando pensamos que o ciclo se completou, ele muda radicalmente de novo. É uma reinvenção incessante, uma montanha-russa cinética que culmina em uma fúria psicodélica de cores e batidas eletrônicas. O jogo funciona perfeitamente. Sua simplicidade estrutural esconde uma execução técnica sólida e um design visual irretocável. A trilha sonora não apenas acompanha, ela conta a história sem palavras, elevando a experiência a um patamar sensorial.
Para fins de análise, é um jogo contemplativo e sólido. Para a alma, é uma dádiva. Ter a oportunidade de vivenciar essa narrativa emotiva e silenciosa é ser agraciado. Nos trechos finais, onde a narrativa visual e sonora atinge seu clímax, o nó na garganta é real. Os olhos marejados se questionam: "Como um jogo sem um único texto pode me tocar desta forma?". A magia é exatamente essa: explorar os sentidos da visão e audição, e, através deles, alcançar o interior. Ajudar aquele farol esquecido e seu amigo pássaro a encontrarem seu destino é uma experiência magistral.
É encantador. É apaixonante. É irreparável.
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Marcos Paulo I. Oliveira
MPIlhaOliveira
Web Designer, apaixonado por tecnologia e gamer orgulhoso de acompanhar todas as gerações e seus grandes títulos.
A brutalidade e a arte são resultados de quando um metroidvania se encontra com o estilo soulslike.
Já sentiu melancolia só de iniciar um jogo? Sim, essa foi a impressão que Skelethrone me causou, justamente pela atmosfera que ele apresenta. O jogo não te explica tudo de início, mas o local em que seu protagonista desperta faz você se sentir perdido, sem saber o que esperar — além das ratazanas de 2 metros de altura. Quase todo o jogo carrega uma identidade visual e atmosfera única, e dele vou lembrar pela sensação singular de que ele vai passar por cima de você.
Enredo e Introdução do Personagem
"Meu nome é Derek… Derek Ericona. Não sei o que houve comigo, apenas que fui condenado. Não me lembro como vim parar nessa pilha de corpos e com essa carcaça esquelética, mas irei descobrir quem tramou contra mim."
Sim, essa seria uma leve introdução do personagem e do mundo que estamos conhecendo. O mundo dos mortos-vivos já é hostil por si só: ao explorar, somos presenteados com árvores com corpos empalados e espíritos hostis. Isso me lembrou da floresta de Mortal Kombat e de leves referências a Berserk. Você encara uma longa caminhada e o que mais encontra são tragédias. O mundo dos mortos-vivos é uma maravilhosa couxa de retalhos e brutalidades.
Arte e visual
A arte visual do jogo é linda e transmitiu todo o peso que eu precisava sentir. Não é à toa que admiro metroidvanias bem caprichadas, como o Castlevania: Symphony of the Night, Rondo of Blood e Shinobi: Art of Vengeance. A arte dos inimigos vai do grotesco, como ratos e criaturas quadrúpedes, ao irritante, como espíritos que só ficam esperando para te levar de arrasta.
Trilha sonora
A trilha sonora cumpre bem o papel de imersão: junta sua frustração com a música e, a cada morte, você no mínimo chora em posição fetal ou vai no ódio para matar as criaturas.
Jogabilidade e mecânicas
Esse é um metroidvania com aquela mistura de amor e muito ódio no estilo soulslike. Para quem já se aventurou em Dark Souls, sabe que larguei o controle mais de uma vez até entender o ritmo mais travado do jogo. Exige paciência com vários itens e combinações. O personagem se sente pesado, o que lembra Blasphemous.
Parte técnica e desempenho
O jogo no meu PS4 não teve nenhum problema de desempenho. A equipe que desenvolveu mandou muito bem, mesmo que eu me perdesse várias vezes em cada área que descobria.
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Combates e desafios
Soma aí: trilha sonora, um rato maior que seu personagem, espada quebrada, e uma ambientação que faz você dizer “what’s good”. Você morre na primeira tentativa, obviamente. Depois da décima morte, ou você já está depre e a música te joga naquela melancolia de domingo à noite, ou sai na raiva para massacrar os monstros. Os comandos são responsivos, mas você sente o peso do personagem mais travado. A stamina faz toda diferença, principalmente no começo, onde duas porradas podem acabar com você.
Progressão e transição de áreas
A travessia de área para área é equilibrada, as transições são suaves. O combate começa instantaneamente dependendo da criatura. É desafiador, exigindo atenção e paciência.
Quantidade de mortes e dificuldade
A quantidade de mortes você nem fica contando depois da primeira vez. O sistema segue como Demon’s Souls e Blasphemous: a cada morte, seus pontos ficam no local onde morreu e sua vida sofre uma redução no HP máximo. A quantidade de inimigos aumenta gradativamente e introduz novas mecânicas, como parry. A floresta foi um terror, com árvores que escondem ataques, espíritos que aparecem de repente e monstros que enganavam meu parry constantemente.
Experiência pessoal e considerações finais
Minha experiência foi uma montanha-russa: do doce da descoberta de uma área nova ao amargo de cada dois passos com 20 mortes contabilizadas. Espere um jogo que te coloca em aperto, seja com bosses invocando criaturas que te pegam na malícia do parry, ou trajetos que só são simples no nome. Você se sente atravessando o inferno enquanto está fraco e sem habilidades. E cuidado com o Mestre Splinter…
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Marcos Paulo I. Oliveira
MPIlhaOliveira
Web Designer, apaixonado por tecnologia e gamer orgulhoso de acompanhar todas as gerações e seus grandes títulos.
Narrativa sensacional e entrega técnica magistral fazem desse título isométrico uma das melhores experiências que tive o prazer de jogar em 2025.
Eriksholm: The Stolen Dream desafia preconceitos e se estabelece como um destaque inesperado no cenário indie, particularmente para aqueles que hesitam diante da perspectiva isométrica. Longe de ser apenas um jogo de nicho, ele oferece uma experiência de ação narrativa furtiva rica e surpreendentemente polida. A jornada da jovem protagonista, Hannah, em busca de seu irmão desaparecido, serve como o fio condutor para uma aventura de cerca de 8 horas, repletas de tensão e engenhosidade.
Do ponto de vista técnico, o jogo impressiona pela sua qualidade visual, especialmente considerando seu potencial orçamento limitado como um título indie. A escolha de utilizar a Unreal Engine 5 e, notavelmente, a tecnologia Meta Human da Epic para a construção dos personagens, resulta em cutscenes de uma beleza e detalhe notáveis. A cena inicial, descrita como "incrivelmente bonita e esplendorosamente bem feita", é um testemunho do potencial da otimização e do uso inteligente de recursos.
A profundidade da narrativa é o coração pulsante de Eriksholm. A escrita é sólida e a dublagem é perfeita, desde os protagonistas até o elenco de apoio. A história de Hannah, enriquecida pela companhia de outros personagens que se unem à sua jornada, aborda temas como condições de trabalho terríveis e guerra de classes com sensibilidade e impacto. O crescimento realista dos personagens, culminando em um ápice narrativo e um final que não é forçosamente satisfatório em todos os seus aspectos – refletindo, ironicamente, a própria imprevisibilidade da vida – demonstra a maturidade da escrita. A narrativa é tão envolvente que se torna impossível pular as cenas.
A performance é outro ponto alto, com o jogo rodando de maneira sólida e consistente a 60fps constantes no Xbox Series S. Este feito é crucial, pois, como bem observado, o desempenho de um jogo não é ditado apenas pelo seu gênero (furtivo isométrico), mas sim por sua concepção e otimização. Eriksholm demonstra um aproveitamento eficiente dos recursos do hardware, entregando um alto nível de detalhes mesmo em uma câmera mais afastada, graças ao excelente sistema de iluminação. Durante a jogabilidade, este sistema não só embeleza os ambientes que remetem ao final do século XIX no norte da Europa, mas também é um elemento funcional essencial, tornando óbvio para o jogador onde as sombras oferecem cobertura e quais lâmpadas precisam ser apagadas.
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Em termos de jogabilidade, o foco é estritamente no furtivismo. A maior parte do tempo é gasta resolvendo quebra-cabeças ambientais, que exigem que o jogador utilize o ambiente e as habilidades de Hannah para passar despercebido. O dardo com sedativo é a principal ferramenta, mas seu uso é estratégico: a linha branca de progressão que indica a iminência de ser detectado e o tempo de ativação do sedativo exigem cronometragem precisa e um rápido retorno à cobertura.
Os níveis avançados introduzem novas opções e mecânicas de forma natural e brilhante, sem parecerem forçadas. O jogador precisa se atentar aos padrões de patrulha dos guardas, que, embora sejam realistas e não autômatos, demandam memorização para realizar atordoamentos e desvios eficazes. O ato de arrastar inimigos inconscientes para fora da linha de visão é uma constante, reforçando a imersão na pele de uma verdadeira mestre da infiltração.
A parte sonora é encantadora. A trilha sonora ajuda a definir o tom deste mundo, permeado por terríveis condições de trabalho, guerra de classes e, ocasionalmente, momentos brilhantemente emocionais. A dublagem é perfeita, com atuações impecáveis desde os personagens principais até os guardas, trabalhadores e pessoas conversando ao redor. A mixagem de som é impressionante, aproveitando muito bem os recursos de som do console para criar uma experiência imersiva, dando ainda mais impacto a cada passo dado.
Por fim, o que eleva a experiência, além de sua jogabilidade bem elaborada, é a narrativa em si. Graças a uma escrita sólida, um enredo repleto de mistérios interessantes, respostas sólidas no final e as já citadas excelentes dublagens, Eriksholm é um jogo cujas cenas você não deve pular. É um título difícil de ser revisado completamente sem estragar a experiência, pois detalhar suas mecânicas mais profundas seria entregar pontos cruciais da história que o jogador deve descobrir. Mas a sugestão é clara: joguem! O jogo entrega absolutamente tudo o que promete e já o considero um dos grandes destaques de 2025.
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Marcos Paulo I. Oliveira
MPIlhaOliveira
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Repetição excessiva e falta de originalidade marcam a experiência em Doomspire.
Eu gosto de Heartstone, como será que deve ser jogar uma campanha single player com as mecânicas dele? DoomSpire tentou, mas não conseguiu passar essa sensação, o jogo até começa bem, mas se torna repetitivo bem rápido devido à repetição de mecânicas e de cartas.
História
Neste jogo precisamos escolher rotas para avançarmos em uma dungeon, porém sem uma história fixa, durante a run vamos conhecendo novos personagens que enfrentamos em combate e cada um tendo habilidades específicas, porém enfrentamos os mesmos inimigos várias e várias vezes e com a vida aumentando conforme vamos avançando, o que traz uma sensação de repetição, algo que não me agradou muito.
Gameplay
A gameplay segue o padrão estabelecido por grande parte dos TCG modernos, as cartas têm pontos de vida e de defesa, porém aqui vai um desapontamento, não precisamos destruir as cartas do nosso oponente para causarmos dano em sua vida, o que transforma o jogo em simplesmente spammar o máximo de cartas possível e atacar. Outro ponto negativo é que o jogo não possui tutoriais, jogadores novos podem ficar perdidos e desistirem do game logo no início. A gameplay sofre o mesmo problema da história, a repetição excessiva, as cartas são praticamente iguais tanto em design quanto em efeitos e habilidades.
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Trilha sonora
As músicas são ok, elas funcionam para transmitir o sentimento de uma aventura épica e os efeitos sonoros dos ataques são bem feitos e cumprem seu papel, não é uma composição épica e poderia melhorar.
Gráficos e visuais
Aqui o jogo se inspira bastante em Heartstone trazendo um visual cartunesco, o design das cartas e dos cenários lembra demais o jogo da Blizzard, porém com um ar de genérico, não vi cartas que me chamaram a atenção nem inimigos com visuais únicos, todos são padrões de jogos com foco em dungeons. Os gráficos são bem simples e aconchegantes até, há um sentimento de jogo relaxante, sabe? Não são gráficos feios, mas também não impressionam.
Qualidade técnica
Durante a minha gameplay não encontrei bugs ou problemas de progressão, porém vale ressaltar a má otimização, o jogo claramente não é pesado, mas tive dificuldade de manter 40 frames estáveis, sendo que a minha máquina roda jogos bem mais pesados e com menos gargalos que este.
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Ramon
Hardt
Sou apaixonado por jogos desafiadores e jogos de luta, meu objetivo sempre é aproveitar ao máximo o que eu estou jogando
Um jogo horroroso que exige demais da sua máquina e entrega gráficos de papelão e gameplay bugada.
Primeiramente, isso não é uma análise, mas sim um alerta e uma denúncia, recebi esse jogo para review e eu preciso vir a público para alertar as pessoas a não comprarem isso na Steam, o jogo pede configurações altíssimas do computador (pedem um I7, 16gb de RAM, placa de vídeo GTX 1050 TI e ainda tem uma observação dizendo para não abrir um programa pesado enquanto roda o game) para no fim entregar um jogo horroroso, seja pelos gráficos de papelão, seja por sua gameplay travada e totalmente bugada, pela sua ‘‘Trilha sonora’’ que nada mais é que uma música em looping infinito, ou sua história totalmente genérica e sem sentido. Meu conselho é: se você gostou das screenshots e seus trailers por piores que pareçam, abra o roblox e você vai ter o mesmo jogo de graça com requisitos menos exigentes da sua máquina e não vai minerar bitcoins pelo seu PC. Como recebi a key do game preciso fazer uma análise por escrito.
História
A história é contada através apenas de caixas de diálogos e cutscenes mal feitas. Começamos o jogo vendo uma cena mostrando nosso personagem, um chefe do crime indiano, conversando com seus capangas e a conversa é sobre uma piada envolvendo um outro personagem que irá aparecer mais tarde chamado Jackie, mas o diálogo é sem sentindo e não leva a lugar algum, pouco tempo depois uma equipe da policia invade o local e temos o nosso primeiro combate e precisamos fugir do local, até ai ok, mas o jogo se passa em um mundo “aberto” (entre aspas, pois se nos distanciarmos um pouco que seja da missão morremos) que mais parece uma maquete, todas as fases são em “áreas” diferentes mas que ficam uma do lado da outra, por exemplo, de um lado da estrada tem um bioma de floresta e no outro lado da rua tem um deserto, mas tudo em miniatura.
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Gameplay
Quase inexistente, no jogo podemos andar, pular e atirar, mas tudo é bugado, toda hora entramos em paredes, atravessamos o teto e as vezes atiramos a os tiros simplesmente não causam dano nos inimigos e por falar em inimigos, eles simplesmente aparecem do chão em locais aleatórios e a IA deles não funciona, isso vale para os nossos aliados.
Gráficos
Visualmente decadente e medonho, os gráficos são defasados e mal feitos, todas as texturas são ruins, as vezes não carregam e os visuais são tenebrosos de mal feitos, beiram gráficos de Playstation 1.
Trilha sonora
Como dito na introdução, a trilha sonora é uma música indiana genérica que fica tocando em looping, precisei diminuir o volume para o mínimo e tive uma surpresa, alguns efeitos sonoros simplesmente não têm o seu volume alterado quando abaixamos ou diminuímos o volume, algo simplesmente inaceitável.
Qualidade técnica
Durante minha gameplay tive diversos bugs, de o personagem atravessar paredes a inimigos com hitbox bugadas, portanto, a experiência, que já não estava boa, piorou, sem falar de seu desempenho lamentável, meu computador não é dos melhores, mas consegue rodar jogos como God Of War 2018 e Red Dead Redemption, obviamente com limitações, mas com estabilidade em 45 fps no GOW e 60 no RDR2, este jogo rodou a 30 FPS pra baixo com as configurações no modo mais baixo possível.
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Um jogo feito com coração e imaginação, mas peca pelo ritmo e falta de acabamento.
Mai: Child of Ages é o tipo de jogo que chega com uma ideia boa o bastante pra te fazer acreditar nele. Um indie que quer falar de tempo, identidade e legado. Que te promete uma aventura emocional, puzzles inteligentes e duas protagonistas em uma só linha temporal. O problema é que, no meio do caminho, o relógio parece girar contra ele mesmo.
A proposta é simples de entender, mas profunda de executar: Mai, dividida entre sua versão jovem e adulta, precisa manipular o tempo pra reconstruir um mundo em ruínas. O jogo alterna eras, atmosferas e mecânicas de forma criativa, e logo de cara mostra o cuidado visual e narrativo da equipe. O contraste entre o passado verdejante e o futuro destruído é visualmente forte. As cores, as paisagens e os efeitos de luz mostram que, em direção de arte, o estúdio acertou.
Só que ser bonito e ser memorável são coisas diferentes. E é aí que Mai perde parte do brilho.
Os puzzles, que deveriam ser o coração da experiência, logo começam a repetir ideias. É aquele mesmo esquema: empurra objeto, congela o tempo, sobe plataforma, ativa alavanca. No início é instigante, depois vira mais um ritual de costume do que uma descoberta real. Falta ousadia, falta aquele clique mental que te faz pensar “genial”.
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A parte do combate tenta variar o ritmo, mas sofre do mesmo mal. As animações são duras, o impacto é superficial e a fluidez não acompanha a ambição do conceito. É funcional, mas não empolgante. O tipo de gameplay que não irrita, mas também não marca.
E aí vem o calcanhar de Aquiles de quase todo indie ambicioso: a parte técnica.
Há bugs que quebram o ritmo, travamentos aleatórios e até momentos em que itens essenciais simplesmente desaparecem do mapa. Isso, somado a uma navegação pouco intuitiva, transforma uma boa ideia em uma experiência irregular. É o tipo de problema que não mata o jogo, mas impede ele de alcançar algo maior.
Por outro lado, o som é uma das grandes forças. A trilha é lindamente composta, com temas que refletem o tom melancólico da história e reforçam cada mudança de era. É o tipo de trilha que dá alma a um jogo que, por vezes, parece perder o fôlego.
Mai: Child of Ages é uma obra feita com coração e imaginação, mas ainda não alcança o patamar que almeja. Há alma, há talento e há conceito. Só falta o acabamento. É como um relógio bonito que atrasa alguns minutos, você percebe o esforço, mas sente o descompasso.
Mai é um lembrete de que o tempo é precioso e no caso deste jogo, ele precisa de mais tempo pra se tornar realmente inesquecível.
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Lucas Ramires
Nashi
PC Gamer CLT que só quer jogar em paz.
Com temas psicológicos pesados, Silent Hill f é uma obra incrível que te atinge em cheio a cada passo.
Em Silent Hill f, somos lançados no coração do Japão dos anos 60, onde a colegial Hinako Shimizu é a única luz em Ebisugaoka, uma cidade devorada por uma névoa ancestral e malévola. Ao longo de uma jornada que facilmente ultrapassa as 15 horas de agonia, o jogador não apenas guia Hinako, mas sente a pele rasgar a cada confronto. É uma peregrinação de luta, lágrimas e gritos silenciados, onde a salvação de si mesma, de sua família e amigos exige que ela esmague aberrações que desafiam a sanidade. A narrativa é uma serpente venenosa que nunca rasteja para onde se espera, tecendo uma tapeçaria de tensão insuportável e repulsa visceral que, paradoxalmente, nos força a seguir em frente.
A corrupção visceral e seus gatilhos psicológicos
Ebisugaoka, no início, é um sepulcro abandonado, habitado apenas por Hinako, três aliados e um bestiário de horrores indescritíveis. A névoa, densa e doentia, desce enquanto um crescimento nojento e malevolente espalha sua corrupção biológica por onde toca. A profundidade do horror se estende para além do físico, tocando em temas perigosamente pesados, como abuso mental, físico e de drogas. É mandatório um aviso: o jogo é um campo minado de gatilhos emocionais. A estranheza que emana da tela é palpável; o instinto primário é o de arrancar Hinako daquela tortura o mais rápido possível, enquanto ela salta entre a realidade fraturada e pesadelos enraizados na tradição japonesa.
O combate brutal e a efemeridade do arsenal
A sobrevivência aqui é uma questão de corpo a corpo implacável. O luxo de ataques à distância é negado. Hinako deve confiar em um arsenal de armas improvisadas — canos, tacos de beisebol, marretas — ferramentas de violência que são, ironicamente, terrivelmente efêmeras. Sua curta durabilidade exige uma gestão de recursos cruel. Será preciso caçar novas armas ou, em um apego desesperado, usar kits de ferramentas para remendar a que se tem.
O combate é uma dança brutal que se apoia na esquiva cirúrgica e no contra-ataque letal. Não há espaço para facilidades. A tensão é uma garra apertando o pescoço. O sucesso é crucial para manter a saúde, o vigor e, de forma vital, a sanidade de Hinako. A mecânica de desvio é peculiar e técnica: certos ataques inimigos induzem uma aberração cromática fugaz, o indicador visual para o desvio perfeito. Acertar o timing permite desferir golpes de dano massivo com uma regeneração total de resistência.
A sanidade como moeda de sobrevivência
Um mecanismo central e atormentador é o medidor de sanidade. Ao acionar o gatilho esquerdo, Hinako pode sacrificar sua clareza mental para desferir um ataque poderoso ou ganhar uma janela de defesa estendida. A sanidade é corroída pelos rugidos desmoralizantes dos inimigos; se esgotada, o preço é pago com a perda de saúde.
O jogo equilibra a carnificina com enigmas envolventes, que exigem a interação meticulosa com objetos e a leitura atenta de documentos. A progressão frequentemente depende de salas de combate obrigatório que guardam relíquias essenciais. O título oferece níveis de dificuldade separados para combate e puzzles, mas mesmo no modo história, o jogador é forçado a pensar; as soluções não serão entregues.
A gestão de inventário é um exercício de paranoia, devido ao espaço limitado. Cada cápsula de medicamento e item de recuperação devem ser calculados. A expansão da bolsa de equipamentos é uma prioridade urgente.
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O deslumbre da putrefação
A jogabilidade é simples e objetiva, um clássico de terror de sobrevivência que se recusa a reinventar a roda, focando na execução impecável. Hinako, apesar do temor interior, demonstra uma valentia desesperada contra as monstruosidades repulsivas: criaturas que brandem lâminas e vomitam gosmas. A repulsa é intencional.
Visualmente, Silent Hill f é um deslumbre arquitetônico dos anos 60. As construções são detalhadas de forma magistral, banhadas por uma iluminação estonteante que persiste mesmo sob o véu da névoa. A beleza do cenário contrasta com o medo espreitando em cada sombra.
Rodando na Unreal Engine 5, o jogo levanta as inevitáveis dúvidas sobre otimização. No Xbox Series S, a performance se manteve em quase 30fps constantes, com engasgos mínimos e aceitáveis nas cutscenes maravilhosas e em certos carregamentos de área.
Apesar de relatórios técnicos sobre uma baixa resolução interna, a saída visual para o usuário é impressionante. O uso de técnicas de upscaling é de tal forma consistente que a imagem final é limpa, clara e visualmente bem entregue, com pouquíssimos artefatos em um monitor 1080p. A ausência de bugs que prejudicaram a jornada é uma rara proeza técnica nos dias atuais.
A imersão sonora é total. A dublagem original em japonês é sensacional e mandatória. O design de som ambiental é um trabalho de mestre; estalos, o som de órgãos internos em funcionamento, sussurros, gritos e lamentos se combinam para criar uma atmosfera insólita. A trilha sonora é um componente essencial e emocional, pontuando a jornada com melancolia, tristeza, medo e a fúria necessária.
Uma angústia de escolha e consequência
A jornada de Hinako é implacável, repleta de assuntos pesados e reviravoltas chocantes. Há momentos onde desviar o olhar é um ato instintivo, dada a quantidade atenuante de sangue, vísceras e horrores. O terror é potencializado pela vulnerabilidade inicial da protagonista.
Silent Hill f é simultaneamente aterrorizante e fantástico. Com múltiplas perspectivas de desfechos, este conto angustiante de escolha e consequência é uma experiência que deve emocionar e enojar até o veterano mais calejado do terror de sobrevivência.
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Marcos Paulo I. Oliveira
MPIlhaOliveira
Web Designer, apaixonado por tecnologia e gamer orgulhoso de acompanhar todas as gerações e seus grandes títulos.
A brutalidade de ser um Space Marine em um dos melhores boomer shooters modernos.
O rugido do bolter ecoa em nome do Imperador.
Desde o primeiro segundo, Boltgun não te dá tempo de pensar, apenas reagir. O jogo começa e te joga em um combate frenético atrás do outro, e a intensidade só aumenta até o final. Cada confronto é uma tempestade de chumbo sagrado e sangue profano. Poucos jogos conseguem traduzir tão bem o que é ser um Space Marine: o soldado supremo da humanidade, um colosso de poder, peso e brutalidade.
O visual em 2.5D é simplesmente impecável. A pixel art é detalhada, viva, e cada cenário exala o estilo gótico-industrial que define o universo Warhammer 40K. Os ambientes são variados — forjas, ruínas, templos — e todos parecem saídos direto de uma pintura de pesadelo tecno-religioso. É um dos trabalhos visuais mais caprichados já vistos em um boomer shooter moderno.
A trilha sonora é uma missa de destruição. Riffs e batidas alimentam o ritmo da batalha enquanto os efeitos sonoros das motosserras aos bolters despedaçando demônios do Caos criam uma sinfonia gloriosa. É impossível jogar sem sentir o sangue ferver a cada disparo.
A história é simples, como deve ser: um planeta forja invadido por demônios do Caos, e tua missão é purificar tudo que respira. Serve como o combustível necessário para transformar cada batalha em uma cruzada pessoal.
No campo da jogabilidade, Boltgun é um espetáculo. Ele honra o legado de DOOM e Quake, entregando uma experiência rápida, brutal e viciante. O desafio é bem calibrado, forçando o jogador a alternar armas e estratégias constantemente. Cada inimigo exige uma abordagem diferente, e isso mantém o ritmo eletrizante.
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Tecnicamente, o jogo é exemplar: leve, estável e bem otimizado. Roda até em máquinas mais modestas sem perder o impacto visual ou fluidez, um feito raro hoje em dia. Ele não reinventa a roda, mas faz o que se propõe com tanta maestria que termina deixando um vazio quando acaba.
O arsenal é um dos grandes destaques: cada arma tem peso, propósito e design perfeitamente condizente com o universo 40K. Usá-las é quase uma liturgia e cada disparo soa como uma prece respondida.
Os inimigos, por sua vez, são variados e bem construídos. Chefes com design marcante e hordas de demônios que te obrigam a pensar rápido. O level design é um tanto linear, mas direto, funcional e cheio de ritmo. A progressão é intuitiva e cada novo ambiente mantém a sensação de avanço e conquista.
A DLC segue o mesmo espírito: não tenta reinventar nada, apenas entrega mais do que já era excelente. Novas armas, inimigos e mapas mantêm o padrão de qualidade e elevam o desafio sem torná-lo injusto. É o tipo de expansão que mostra respeito pelo jogador.
Ao final, Boltgun + DLC deixa uma sensação de êxtase. Um dos melhores boomer shooters modernos e, para qualquer fã de Warhammer, uma celebração gloriosa. Se este jogo é um prenúncio do que vem por aí, que o Imperador nos proteja, porque o futuro será sangrento e magnífico.
"Muito mais que Warhammer 40K é o rugido do Imperador ecoando através do bolter. Que este seja apenas o início de algo muito maior."
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Lucas Ramires
Nashi
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